Fue el año de brujas cantoras y hermanos enfrentados, ansiedades animadas y robots neuróticos, mejores amigas con superpoderes y tríos alimentados por el tenis. Los biopics musicales abarcan desde Amy Winehouse hasta Robbie Williams, pasando por un par de Bobs; estos últimos interpretados por un joven actor que se tomó un descanso de ser un mesías interestelar para retratar a uno terrenal y reticente. Aún más populares fueron los musicales puros, que llegaron en forma de lo Bueno, lo Extraño y la Folie à deux. Un drama sobre violencia doméstica se vendió como una mezcla entre un romance tradicional y un feed de Instagram de influencer de estilo de vida, con todo y libro para colorear. Las apuestas ambiciosas de grandes nombres a veces resultaron en grandes, grandes fracasos. La gente se quejó de la fatiga de las franquicias, pero las 12 películas más taquilleras de 2024 fueron secuelas o capítulos de una serie cinematográfica de larga duración.
Intentar resumir los últimos 12 meses parece especialmente difícil, si no completamente loco, cuando hablamos de un año en el que la industria cinematográfica aún lidiaba con las secuelas persistentes de una pandemia, las consecuencias de una serie de huelgas devastadoras (aunque necesarias), el declive gradual del estreno tradicional en salas y un recordatorio de que Hollywood, EE. UU., todavía vive bajo la máxima de William Goldman: “nadie sabe nada”.
¡Y, sin embargo! Cuando llegó el momento de compilar una lista de los 20 momentos destacados de nuestro año en el cine, nos costó reducirlo a solo 20 entradas. Algunas de las mejores cosas que vimos provinieron de lo que queda del sistema de estudios, otras de plataformas de streaming, y otras pasaron directamente de recorridos por festivales a breves temporadas en cines de arte y ensayo, para terminar en tu televisor inteligente en un abrir y cerrar de ojos. Sin importar de dónde provinieran —ya fueran sátiras de horror corporal, películas de venganza tipo serie B, estudios modestos de personajes del cine independiente estadounidense, parábolas animadas, documentales elípticos o géneros familiares reinventados—, cada una de las siguientes películas nos inspiró a seguir persiguiendo ese momento en el que las luces se apagan, la pantalla se enciende y sientes que estás a punto de levitar de tu asiento.
(Menciones honoríficas: Close Your Eyes, Green Border, How to Have Sex, Inside the Yellow Cocoon Shell, Megalopolis, Nosferatu, Queer, Soundtrack to a Coup d’État, The Taste of Things, Vermigliio.)
20. NICKEL BOYS
Era inevitable que la novela ganadora del Pulitzer de Colson Whitehead, sobre un reformatorio ficticio para chicos en el Estado del Sol de los años 60 —separado pero profundamente desigual— (basado en el infierno real conocido como la Escuela Dozier), fuera adaptada a una película importante. Lo sorprendente es cómo el cineasta RaMell Ross (Hale County This Morning, This Evening) subvierte por completo los clichés habituales de los dramas de trauma y las películas de prestigio con la forma en que la adapta: la mayoría de la película se desarrolla estrictamente desde la perspectiva de Elwood (Ethan Herisse), el joven prometedor que es atrapado por las garras de la Academia Nickel, y luego desde el punto de vista compartido de su compañero “estudiante,” Turner (Brandon Wilson). Es una apuesta audaz que da grandes resultados; al igual que The Zone of Interest del año pasado, te obliga a reevaluar la representación y el consumo de la tragedia como “entretenimiento.” Sin embargo, gracias a sus brillantes protagonistas, nunca se siente como un mero experimento formal. Una obra de arte absolutamente radical, desbordante de empatía radical.
19. REBEL RIDGE
Y ahora algo completamente diferente: una inteligente película tipo serie B, oculta en las profundidades del catálogo impulsado por algoritmos de originales de Netflix, que satisface a la perfección tus ganas de una historia de venganza. Terry Richmond (Aaron Pierre, fuerte, silencioso y tremendamente carismático) se dirige a la comisaría de un pequeño pueblo para pagar la fianza de su primo, cuando es derribado de su motocicleta, acosado y robado por policías racistas. El sheriff local (Don Johnson) advierte a este extraño que se olvide de su dinero y de su pariente, y que salga de los límites de la ciudad antes de que se ponga el sol. Pero resulta que Terry es un exmarine especializado en combate cuerpo a cuerpo y con una notable habilidad con las armas. Más rápido de lo que puedes decir “¡Ellos atacaron primero, no yo!”, esta aldea sureña se convierte en una auténtica zona de guerra. El guionista y director Jeremy Saulnier (Green Room) es uno de los pocos cineastas actuales que puede armar un thriller de estilo retro como este, con una combinación perfecta de aspereza grindhouse y un estilo ajustado y preciso.
18. FLOW
La candidatura de Letonia al Oscar a la Mejor Película Internacional este año es una película animada que sigue a un gato intentando sobrevivir a una catástrofe natural después de que el exuberante valle que llama hogar queda gravemente inundado. Eventualmente, el gato se une a un perro, un ave similar a una cigüeña, un capibara y un lémur para apoderarse de un bote y buscar refugio en tierras más altas. No hay ningún diálogo, la animación parece una escena extraída de The Legend of Zelda, y, en lo que parece ser la apuesta más audaz, el director Gints Zilbalodis evita cualquier intento fácil de antropomorfizar a estas criaturas. Es un poco como ver el documental de naturaleza más emocionante jamás dibujado. Simplemente impresionante.
17. DUNE: PART TWO
Denis Villeneuve cumple —y de manera sobresaliente— con la promesa de su adaptación de 2021 de la monumental novela de ciencia ficción de Frank Herbert, retomando la historia aproximadamente a mitad del libro y explorando a fondo los temas de poder, moralidad, revolución y lo que sucede cuando un mesías reticente abraza su destino, no con sabiduría, sino en exceso. Aquí tienes a un Timothée Chalamet más endurecido, un Austin Butler verdaderamente psicótico, una Florence Pugh enigmática y el doble de gusanos de arena. Más importante aún, tienes la oportunidad de ver a Villeneuve expandir el mundo que construyó a partir de la prosa de Herbert, haciendo justicia a la magnitud, el alcance y la pura extrañeza de este pilar de la literatura psicodélica sin, valga el juego de palabras, limar sus aristas. Es descaradamente geek y, aún más, descaradamente cinematográfica.
16. HARD TRUTHS
Mike Leigh regresa a los modestos y conmovedores dramas centrados en personajes que lo hicieron famoso cuando trabajaba en Play for Today para la BBC, y nos entrega a una de sus protagonistas más memorables: Pansy (Marianne Jean-Baptiste, de Secrets & Lies), una mujer capaz de encontrar la nube negra detrás de cada rayo de sol. Tiende a criticar todo, desde las habilidades parentales de sus vecinos (“¿Para qué necesita un bebé un bolsillo? ¿Lleva un cuchillo?”) hasta los hábitos alimenticios de su esposo (David Webber) y su corpulento hijo adulto (Tuwaine Barrett). Sin embargo, cuando no está en modo ataque y destrozando a su familia y amigos, Pansy suele quedar paralizada por el miedo al mundo que la rodea. Es en la disparidad entre estos dos estados donde Leigh y su actriz principal trazan poco a poco el mapa del mundo interior de un espíritu quebrado. No es exagerado decir que Baptiste ofrece la mejor actuación de su carrera, y mucho menos la que más nos conmovió en el festival; está a la par de Michele Austin, quien interpreta a la hermana de Pansy, la única persona capaz de brindarle consuelo y compartir lo que parece ser un trauma generacional sufrido por ambas.
15. PERFECT DAYS
El legendario actor japonés Kōji Yakusho ofrece la mejor actuación de su carrera como Hirayama, un hombre de mediana edad que se dedica a limpiar baños públicos. Es el tipo de servidor civil invisible que realiza su labor en las grandes ciudades del mundo con profesionalismo y anonimato. Sin embargo, Yakusho y el cineasta Wim Wenders nos permiten un vistazo prolongado a la vida interior de este hombre común, y el resultado es un retrato delicado y afectuoso de alguien que realmente ha adoptado una mentalidad de carpe diem. Durante gran parte de la película, la estrella parece no estar “actuando”. Ríe, se emociona brevemente, juega una partida de etiqueta tras unas cervezas. Y luego Yakusho te golpea con un impacto emocional inesperado, cortesía de un primer plano que te deja sin aliento.
14. ROBOT DREAMS
¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? Una mejor pregunta sería: ¿y si sus ciclos de sueño estuvieran llenos de los mismos pensamientos de amor, soledad, esperanzas y miedos que los nuestros? Basada en la novela gráfica de 2007 de Sarah Varon, la comedia dramática animada de Pablo Berger trata esta idea como un hecho, emparejando a un perro antropomórfico y su robot mejor amigo —montado pieza por pieza— mientras deambulan por un Nueva York caricaturesco. Pero un incidente separa a estos dos amigos inseparables, el tiempo pasa y el mundo sigue girando. La pregunta no es qué les sucede a Robot y Perro en el tiempo que transcurre entre el último día de un verano y el comienzo de otro, ni qué sueños pueden tener en ese lapso, aunque las secuencias oníricas que la película muestra abarcan desde pesadillas dignas de los cuentos de Grimm hasta extravagancias al estilo Busby Berkeley. La verdadera cuestión es qué ocurrirá cuando estos dos amigos se reencuentren. Un consejo: ten a mano varias cajas de pañuelos. Y prepárate, porque nunca volverás a escuchar September de Earth, Wind & Fire de la misma manera.
13. JANET PLANET
La dramaturga ganadora del Pulitzer, Annie Baker, se pone detrás de la cámara y entrega la palabra definitiva sobre las relaciones madre-hija, creando un estudio dual de personajes: una madre de Nueva Inglaterra con inclinaciones hippies (Julianne Nicholson) y su hija de 11 años (la debutante Zoe Ziegler) mientras pasan un verano navegando una dinámica de atracción y rechazo particularmente complicada. Al igual que en su trabajo teatral, el debut como directora de Baker está lleno de largos silencios, espacios vacíos y cosas que quedan sin decir; también es un testimonio del poder de dejar las cosas sin resolver, mientras una preadolescente intenta comprender un mundo adulto que, francamente, parece tan extraño para su madre inquisitiva y desconcertada como para ella. Una hermosa obra maestra menor.
12. CHALLENGERS
El drama de tenis Luca Guadagnino, combinado con un romance de triángulo amoroso tortuoso, ofrece el escenario perfecto para su trinidad sagrada de jóvenes actores, además de añadir una buena dosis de intensidad a una historia donde los golpes de revés sirven como juego previo. La película confirma que Zendaya no solo es una estrella, sino una fuerza de la naturaleza cuando se le da la oportunidad de tomar las riendas, actuando como musa y maestra para el campeón en ascenso de Mike Faist y el encantador desahuciado de Josh O’Connor. Además, la película demuestra que no hay nada más seductor que un juego bien jugado y regala al mundo el churro más homoerótico en la historia del cine. Entre este filme deportivo y su colaboración en la igualmente audaz adaptación de William Burroughs, Guadagnino y el guionista Justin Kuritzkes tuvieron, sin duda, un año excepcional.
11. TÓTEM
Las películas sobre el paso a la adultez suelen oscilar entre lo empalagoso y lo vergonzoso, pero la cineasta mexicana Lila Avilés toma un camino menos transitado con esta historia de una niña (Naíma Sentíes) que se despide de su padre enfermo terminal. La película se centra en cómo su entorno y su familia la nutren, y eso marca toda la diferencia. Es una película sobre la muerte que rebosa de vida, un drama delicado que nunca se desploma bajo su propio peso ni permite que el dolor tome completamente el control. Termina con una fiesta de cumpleaños que sabes será la última del festejado, vista a través de los ojos de una niña, pero manejada con una sensibilidad que sugiere a una artista con una auténtica perspectiva humanista.
10. LA CHIMERA
Un drama casi místico de la cineasta italiana Alice Rohrwacher (Happy as Lazzaro), sobre un arqueólogo británico (Josh O’Connor, quien, entre esta película y Challengers, ha ascendido oficialmente al estatus de Símbolo Sexual Desaliñado) que ocasionalmente trabaja como saqueador de tumbas. Posee un sexto sentido para encontrar tumbas llenas de artefactos antiguos y lucrativos, lo que convierte su regreso a sus viejos terrenos en una ventaja para sus antiguos socios en el crimen. Sin embargo, no es la avaricia, sino el duelo, lo que impulsa a este ladrón. La manera en que O’Connor convierte a este antihéroe sórdido, al estilo de los años 70, en un hombre consumido por el dolor es reveladora. Una historia absolutamente gloriosa y desgarradora sobre robar al pasado mientras se está condenado, irónicamente, a nunca poder recuperarlo.
9. DO NOT EXPECT MUCH FROM THE END OF THE WORLD
En esta película, el fin no llega con una explosión, sino con un post de TikTok en el que un falso incel presume de su prolífica vida sexual. La mordaz sátira del cineasta rumano Radu Jude captura mejor que casi cualquier otro filme de los últimos años este momento de “el centro ya no puede sostenerse.” Su título puede ser un trabalenguas, pero el más preciso Apocalypse Now ya estaba, lamentablemente, tomado. La historia sigue a Angela (Ilinca Manolache), una asistente de producción en Bucarest que conduce frenéticamente de una tarea sin sentido a otra. Esta comedia caótica contrasta la esclavitud laboral de esta trabajadora de la economía gig con la vida durante el régimen autoritario de Ceaușescu, llegando a la conclusión de que solo las fechas en el calendario han cambiado. Los despotriques de Angela en redes sociales, a través de su alter ego —una caricatura de un macho tóxico conocido como Bobita—, no podrían ser más groseros ni más hilarantes. El clímax de la película, en el que la familia de un hombre muerto es manipulada y la realidad es secuestrada, no podría ser más inquietante.
8. THE SUBSTANCE
Uno asumiría que la última provocación de la experta francesa en cine de género Coralie Fargeat (Revenge) sería inteligente, astuta, audaz y sangrienta. Pero ni siquiera el conocimiento previo de su obra podría prepararte para este clásico instantáneo del horror corporal. La historia sigue a una estrella de televisión (Demi Moore) lidiando con su despiadada exclusión de la industria debido a su edad. Luego descubre que un servicio secreto de suscripción le permitiría crear una versión más joven de sí misma, aunque el plan exige que tanto ella como su “gemela” veinteañera (interpretada por Margaret Qualley) sigan un estricto conjunto de reglas. Digamos que esta reinterpretación de El retrato de Dorian Gray se descontrola de la mejor manera posible y se vuelve extremadamente sangrienta antes de los créditos finales. (¿Quieres un baño de sangre culminante que deje en ridículo al ascensor lleno de plasma de The Shining? Aquí lo tienes). The Substance no redefinirá la fijación de la sociedad con la juventud ni curará los males hipócritas y sexistas de Hollywood. Sin embargo, te recordará que cuando persigues tu pasado a cualquier precio, siempre serás tu peor enemigo.
7. DAHOMEY
La continuación de Mati Diop tras Atlantics (2019) aborda la restitución de tesoros del país de Benín, en África Occidental —anteriormente conocido como el Reino de Dahomey—, saqueados a finales del siglo XIX por los ocupantes franceses. Una vez que estos preciados objetos regresan a su legítimo hogar, las reacciones de los ciudadanos contemporáneos oscilan entre el alivio y la ira al descubrir que solo 26 de los cientos de artículos expoliados han sido devueltos. Mientras tanto, los propios objetos reflexionan en voz alta (!) sobre lo que significa haber sido arrancados de su contexto original. Una perspectiva emocionante, reflexiva y totalmente única sobre el legado del colonialismo, el peso de una historia de subyugación y el papel que los artefactos culturales desempeñan en la identidad de un país.
6. ALL WE IMAGINE AS LIGHT
Parte oda a las amistades femeninas y parte sinfonía urbana —Mumbai de noche rara vez se ha visto tan seductora en pantalla—, la historia de Payal Kapadia sigue a tres mujeres que luchan por reconciliar sus respectivos problemas románticos, sentimientos de desarraigo y soledad. Fue la primera película india en competir en Cannes en 30 años. Pero sería una obra monumental incluso si no hubiera roto esa racha, con Kapadia construyendo sobre el estilo híbrido de documental de su película anterior, A Night of Knowing Nothing (2021), e imbuyendo su retrato de la vida en la gran ciudad con un auténtico lirismo vivido. Kapadia permite que las narrativas se entrecrucen y colisionen suavemente entre sí. Y luego, de un golpe maestro, All We Imagine as Light introduce un toque de realismo mágico tan lírico y evocador como el título de la película. En una coda con tintes de neón, la película revela su verdadero tema: no tres historias separadas, sino una única oda a la hermandad intergeneracional.
5. THE BRUTALIST
El actor convertido en director Brady Corbet apuesta todo en esta historia increíblemente ambiciosa y maravillosamente lograda sobre un arquitecto húngaro llamado Lázsló Tóth (Adrien Brody, brillante) que huye a los Estados Unidos cerca del final de la Segunda Guerra Mundial. Allí es reclutado por un industrial rico (Guy Pearce) para construir un centro comunitario en Doylestown, Pensilvania. Pronto se encuentra ahogándose en el llamado Sueño Americano. El tono evoca los épicos estudios de personaje de los años 70, con un extenso tiempo de duración, un intermedio y una copia en 70 mm preparada para futuras proyecciones a gran escala. Sin embargo, lo que Corbet y su elenco (incluyendo a Felicity Jones, Joe Alwyn, Isaach de Bankolé y Alessandro Nivola) logran dentro del alcance masivo de esta obra maestra moderna es completamente único.
4. ANORA
Una clásica historia de chico-conoce-chica, si el chico fuera el hijo millonario de un oligarca ruso y la chica una bailarina exótica y escort de Brooklyn que acepta su propuesta de matrimonio improvisada. La última película de Sean Baker (Tangerine, The Florida Project, Red Rocket) se siente como una mezcla entre Pretty Woman y Uncut Gems, con la trabajadora sexual de clase obrera interpretada por Mikey Madison siendo arrastrada a un mundo de mansiones y escapadas a Las Vegas por el hedonista hijo rico de Mark Edelshteyn. Pero cuando un trío de empleados de los padres del joven aparece para declarar que la fiesta ha terminado, la película pisa el acelerador a fondo. Como en todas las películas de Baker, hay una atención a las estructuras de clase y a la vida en los márgenes que añade un filo cortante a la comedia incisiva. Madison, conocida por Better Things, no podría haber pedido un mejor escaparate para su talento; este es, sin duda, su momento de “nació una estrella.” (Lo mismo ocurre con Yura Borisov, cuyo torpe matón aporta el pulso latente de la película). Bonus: un plano final absolutamente perfecto.
3. A REAL PAIN
La tragicomedia de amigos del actor-escritor-director Jesse Eisenberg sobre dos primos —uno un hippie extrovertido y sin respeto por los límites (Kieran Culkin) y el otro un neurótico reprimido (Eisenberg)— que viajan a Polonia para rendir homenaje a su difunta abuela, confirma que la estrella de The Social Network tiene una sensibilidad clara detrás de la cámara. También demuestra su profundo entendimiento de la intersección entre lo hilarante y lo conmovedor, además de ser el contrapunto perfecto para su coprotagonista descontrolado. La manera en que Culkin convierte a este hedonista, amigable en exceso y emocionalmente vulnerable desastre en el id de la película —y simultáneamente logra que quieras golpearlo y pasar tiempo con él— es algo digno de admirar; una fusión perfecta entre intérprete y personaje. Si a esto le sumamos su habilidad para abordar el trauma generacional sin caer en sentimentalismos ni exageraciones, junto con un enfoque en personajes complejos y desenfadados propio del cine estadounidense de los años 70, tenemos un auténtico éxito.
Fuente: Rolling Stone